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在历史的长河中，有些艺术作品如流星划过夜空，留下永恒的光芒。其中，挪威艺术家爱德华·蒙克创作的《呐喊》便是这样一颗璀璨的流星。自1893年问世以来，这幅画作以其独特的魅力和深刻的情感，成为世界艺术史上的一部杰作。但究竟是什么让它跨越时空，触动无数人的心灵呢？
蒙克，1863年出生，是五个孩子中的一个。他的童年充满了疾病和死亡。19世纪的欧洲，肺结核横行，夺走了四分之一成年人的生命。蒙克的母亲和姐姐都因此病魔离世，他自己也一度患上此病。他的另一个姐姐则因精神疾病在机构中度过大半生。在这样的家庭背景下，蒙克频繁因病休学，常在家中绘画，聆听父亲朗读那些令人毛骨悚然的故事。
蒙克的父亲是一位虔诚的路德教徒，他认为蒙克的艺术家梦想是不神圣的。蒙克曾写道：“我继承了疯狂的种子。恐惧、悲伤和死亡的使者自我出生那天起就陪伴在我身边。”最终，蒙克移居柏林，加入了那些致力于打破学院派传统、自然发展自己技艺的创意圈子。
尽管蒙克接受过古典艺术训练，但他开始沉浸于他所说的“灵魂绘画”——一种重视原始、主观情感的构图，而非真实的描绘。他写道：“应该被描绘的不是椅子，而是一个人看到它时的感受。”蒙克许多作品都围绕着个人痛苦。
然而，这也可能导致了一些批评家认为蒙克在描绘女性时缺乏同情，将她们表现为残酷的捕食者，无助的男性成为受害者。死亡也常常萦绕在蒙克的作品中，从骷髅驾驶的船只到一幅病态的自画像，以及他姐姐临终的瞬间，再到一位母亲在床上的最后时刻，她的孩子脸上露出如今熟悉的表情。
蒙克的艺术引起了争议，一些批评家称他为“完全疯狂”，但同时也赢得了赞誉。而他最著名的作品即将诞生。《呐喊》的灵感来源于一个让蒙克深感痛苦的时刻。在1892年1月22日的日记中，蒙克描述了与两位朋友在日落时分沿着现在的奥斯陆的峡湾散步的情景。
他靠在围栏上，疲惫不堪，突然看到天空发生了变化。他描述了“血与火的红舌在蓝黑色的峡湾和城市上空”。当他的朋友们继续前行时，蒙克写道：“我站在那里，焦虑地颤抖——我感觉到一声无限的呐喊穿过大自然。”正如其他痛苦的经历一样，蒙克反复重游这个场景。
最初，他描绘了一个更易辨认的人类主体。但在第二年，他将其融入了戏剧性的抽象象征中，那幅骷髅般脸上的可怕表情直接与观众对视。在这幅画上，他加了一句微妙的讽刺题词：“只能是一个疯子画的！”根据蒙克的描述，许多人认为这个人物并不是在发出尖叫，而是在对尖叫做出反应。
蒙克最终创作了四个版本的《呐喊》——全部在硬纸板上，两个用粉彩，两个用颜料——他还创作了许多版画和石版画。在创作第一幅《呐喊》后的第二年，他描绘了同一个场景，但展示了一群绝望的面孔。1893年底，蒙克在柏林的个人展览上首次展出了《呐喊》。
这幅作品的大胆构图推动了表现主义运动的兴起，该运动同样强调鲜明的心理状态，描绘了第一次世界大战及以后的情感轮廓。《呐喊》的名声继续上升。当它在20世纪中叶进入公有领域时，新的版本和复制品进一步提升了它的知名度。
在1990年代，这幅画作在流行电影中频繁出现，两个版本的《呐喊》在1994年和2004年的两次盗窃中失窃并最终被找回。很快，它成为广泛认可的恐怖和焦虑的象征。甚至有一个以《呐喊》为灵感的表情符号被推出。考虑到如何标记危险场所，让遥远的未来世代能够知道避开，美国政府甚至考虑使用《呐喊》的表情。
尽管《呐喊》在文化上的影响可能并不总是反映蒙克最初描绘的个人痛苦，但它无疑在人们心中找到了一种近乎普遍的共鸣。
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